Muses, chez Acte2 galerie, 9 rue des arquebusiers 75003

Exposition des photographies d’Emmanuelle Bousquet

A la fois le beau livre et l’exposition « sous une pierre amante » et l’exposition « muses ». Entre mouvements interrompus et irruption des temps, entre la distance marmoréenne et l’ironie des lieux.

Découvrir un talent est toujours troublant. Par réflexe, par paresse aussi, ne va-t-on pas spontanément vers les mots, les signes, les images qu’on a déjà rencontrés, qu’on a reconnus ou qu’on a fait l’effort d’aimer.

C’est parfois un jeu. Celui qui consiste à aller chercher où l’artiste est allé chercher ses matériaux, les idées des autres qui lui ont plu, les références artistiques qui fondent ses recherches et ses innovations.

C’est aussi, souvent, un déni : plutôt que d’entrer dans l’œuvre qui se présente, on préfèrera la rapprocher d’un « benchmark », puis l’apprécier en fonction de celui-ci et d’attribuer des notes. Ce n’est pas l’œuvre finalement qui importe mais ce à quoi on la renvoie, quitte à la fourvoyer.

Et parfois, c’est une surprise. Ma surprise devant les photos d’Emmanuelle Bousquet, celles de « sous une pierre amante » a été étrangère à la construction de son travail. Il est vrai que le « mode Bousquet » de photographie ne permet aucune dissertation sur la perspective, l’équilibrage savant entre noir et blanc, les contrastes géométriquement posés ou l’élégance des lignes de fuite. Rien de cela y compris lorsque ses sujets ne pourront jamais bouger, lorsque ce sont des statues qu’elle a photographiées.

Ma surprise a été de penser que si j’avais dû lui donner un mentor, un parrain cela aurait été Antoine d’Agata.

Non pas parce que les photos d’Emmanuelle Bousquet sont marquées de la violence, de la crudité et de l’extrémisme qui caractérise le travail d’Antoine, celui qu’on trouve dans « Insomnia » mais parce qu’on leur trouve en commun, mouvement, dynamique des couleurs, domination du sombre, flou d’une photo, simplicité et force.

Et, plus tard j’ai lu un petit texte, où justement, il était question d’Antoine d’Agata !!!

Entre les deux photographes, un « esprit » commun, celui que partage ceux qui recherchent le déploiement du temps, sa transformation en mouvement et non pas sa saisie dans un instant éternel, l’anéantissement du temps fixé. !

Est-il nécessaire de philosopher ? Peut-être que oui et ce serait bien la faute de la photographe, car, tant la série « Sous une pierre amante » que « Muses », donnent à penser et sont posées et exposées avec ce but manifeste.

« Sous une pierre amante » est constitué de diptyques de corps nus, autoportraits et statues, en sorte qu’on ne sait parfois plus trop bien quelle photo est celle de la statue, quelle est celle du corps nu qui lui est adjointe. Beau discours qui est tenu devant le regardeur et qui lui lance des questions sur la vérité de la surface des choses et des corps, sur le mouvement et ses apparences, sur le déroulement et la fixité. 

« Muses » est une série dont je n’ai pas pu m’empêcher de la rapprocher de la scénographie de Delvaux : femmes nues, qui se tiennent, droites et immobiles à l’exact opposé de la vivacité et de la rapidité des photos de « Sous une pierre amante ». Pas de chemins de fer, ni de gares et encore moins d’aiguillage. La référence qui est faite ici relève du pur réflexe. J’aurais pu, devant la fixité des corps et des attitudes, devant la perfection de la photo, évoquer Erwin Olaf. « Muses » est une belle démonstration du talent d’Emmanuelle Bousquet et des domaines d’expression qu’elle sait ouvrir aux yeux des regardeurs. Monde irréel et pourtant largement peuplé ! Monde intemporel qui s’inscrit dans un cadre usé par l’usage et l’usure.

En conclusion, de la très belle photo. 

Noter que « Sous une pierre amante » est paru dans un très beau livre par les Editions Filigranes.

Chez Philippe Ageon, BOA,11 rue d’Artois, jusqu'au 30 décembre

Encore une belle exposition de photos chez BOA. Philippe Ageon a accroché un artiste du sous-entendu, de la disparition, de l’ombre qui reste après que le soleil soit parti.

Ce sont des photos en couleurs. Des corps qu’on devine parce qu’il ne reste plus qu’un essentiel ou, au contraire, des détails qui parlent des corps en mouvement. Juan Lozano est ce photographe des mouvements ou du reste des corps quand ils ont bougé. Dans la lignée de tous ceux qui ont souffert de figer le temps et d’inscrire l’instant dans l’éternité, il a voulu montrer que le photographe aussi sait non seulement saisir le temps mais le capter et le transcrire en mouvement.

Jeu un peu vain sur le plan des idées, puisque pour capter le temps, il faut capturer le mouvement et non pas l’inverse, puisqu’en le capturant on embarque le temps dans la même cage, sur la même feuille, entouré d’un cadre qui ressemblerait à s’y méprendre à une cage !

Tout ceci n’est que philosophie sur un thème un peu éculé. La pratique est ailleurs. Et ici, cette chasse au temps et au mouvement, cette mise en cage ou en cadre, est mise en œuvre avec talent et inspiration.

On dira que les formes sont mouvementées et de ce fait qu’elles paraissent ou qu’elles disparaissent, qu’elles se disloquent ou se dédoublent. On dira qu’il y a quelques notations baconiennes dans ces confusions de formes et d’images. On peut aussi en appeler à d’autres artistes plus violents, plus durs, d’Agata par exemple, qui ont fait des corps des champs d’expérimentation visuelle ou des objets à déchirer et à disjoindre.

Restons avec Juan Lozano et restons au niveau de son travail. « On n’y voit rien », s’écriait Arasse. Ce qu’on voit chez Lorenzo, ce sont les questions que les regardeurs peuvent se poser en contemplant les photos. « Qu’est-ce que c’est ? », «  y-a-t-il un ou deux corps ou même trois ? », «  est-ce une sanguine ? ». Telle photo laisse à voir comme un travail à l’encre rouge. Telle autre comme de grandes traces de cendres ou de feu.

Au regardeur de décider de ce qu’il y a à voir. Juan Lorenzo propose quelques portes à ouvrir. C’est beaucoup. C’est dire que tant qu’on aura des questions à se poser, on ne s’ennuiera pas devant son travail.

C’est une belle exposition avec un artiste jeune et bourré de ressources.